29 января 2017 года в Москве, в Музее имени Николая Рериха Международной общественной организации Международный Центр Рерихов (МЦР), состоялась выставка "Звездный путь" члена Союза художников Татарстана и Союза художников России, Заслуженного деятеля искусств Республики Татарстан, художника-космита - Виталия Скобеева.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
ЛАРИСА БРОВКО
ЗВЁЗДНЫЙ ПУТЬ ВИТАЛИЯ СКОБЕЕВА
Выставка картин, открытая в конце года в Музее им. Н.К. Рериха, стала для посетителей своеобразным подарком, окном в мир прекрасных образов, созданных кистью художника Виталия Скобеева. Пространство экспозиционных залов звенело атмосферой чистоты и торжественности. Ясность мысли, свойственная особенностям мировосприятия автора, была выражена на полотнах стройным многоголосьем цвета и звука. Название «Звездный путь» не воспринималось надуманным и полностью соответствовало тематике представленных работ, красота и прозрачность которых, устремляла взор поверх теченья земной суеты.
В его работах органично соединены разные художественные направления и течения, но это отнюдь не стилевая «всеядность»
эпохи постмодернизма. Отсутствие переходов или, как говорит автор, создание произведений «на грани смешения реализма, символизма, модерна и экспрессионизма», позволило художнику продемонстрировать свое философское отношение к миру. Выходя «за грани смешения», творчество Виталия Скобеева устремляется в иные пространства, к космизму. Общими тенденциями космизма являются превалирование духовной составляющей во всех жанрах и видах искусства, наличие четвертой «временной» координаты, отсутствие гравитации, музыкальность форм и цвета, осязаемость вибрирующих образов звуков и ароматов. В колористическом решении доминируют оттенки синего цвета, воспеваемого русским Серебряным веком. Тогда на рубеже XIX-XX веков философия, искусство, наука вновь обратились к идеям космизма, софийности, к которым человечество постоянно возвращается. Творцам Серебряного века София «мнилась голубой», розовой, бирюзовой, именно эти нежные пастельные тона предпочитает художник.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Виталий Скобеев воспитан на лучших традициях русской живописи. Большое влияние на формирование его личности и профессиональных навыков оказала семья. Отец, Заслуженный художник России, Валерий Николаевич Скобеев, закончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, где учился в мастерской профессора Е.Е. Моисеенко. От отца склонность к глубокому анализу и осмыслению темы, прекрасное чувство композиции, гармоничность цветовых построений, а также любовь к творчеству поэта Сергея Есенина, которого, обожал и Е.Е. Моисеенко. Однако, творчески переработав родительский опыт, Виталий находит свой стиль, свой язык, свои приемы в использовании выразительных свойств цвета.
Как и отец, он сначала окончил Казанское художественное училище им. Н.И. Фешина (1987). В 30 лет стал членом Союза художников Татарстана (1998), затем членом Союза художников России (2000). Далее было обучение на художественно-графическом факультете ЧПУ (2007). 2016 год является юбилейным для художника, ровно 25 лет назад (1991) началась его активная выставочная деятельность. Особую роль в творчестве Виталия Скобеева играет пейзаж. Художник удивительно чувствует многомерность пространства, его многослойность, взаимопроникновение, временами сознательно переходит на несколько условный, декоративный изобразительный язык.
Особым состоянием покоя проникнуты работы, навеянные впечатлениями и осмыслением библейских и евангельских текстов. Заметим, что в стилистике космизма наблюдается развитие религиозной темы, включающей иное изображение Сфер небесной Иерархии. Может быть поэтому термин «религиозное искусство» для автора неприемлем, так как он, по его мнению, недостаточно отражает суть творчества.
«Я выбрал для себя сразу то, что буду разговаривать с современным человеком современным языком, т.е. быть адекватным времени, - говорит художник, - И я ищу этот модуль адекватности, поскольку не вижу особого смысла в догмах и канонах. Отсюда и решение моих работ» и уточняет: «моя живопись не религиозная, а духовная, именно к такому восприятию и раскрытию я стремлюсь. Вера и духовность - это более широкие понятия. Поэтому я избегаю канонических решений».
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
И действительно, в цикле картин "Сад Марии" художник приглашает зрителя в то «духовное пространство, где, каждый цветок наше сердце». Само пространство интерпретируется им как некая пластичная энергия, всевмещающая, материнская, безграничность которой передается через небесного цвета звездчатый мафорий, а «нежно-голубой колорит, – утверждает автор, – это субстанция духовной чистоты, которую я и называю живая вода. Этот цвет - некая субстанция, энергия, духовная ткань, покров Пресвятой Богородицы, покровительствующей и охраняющей нашу землю». Вечная тема сада, рая с благоуханием растений, выражена нежнейшими оттенками голубого и розового, проникающего сквозь легкую вуально-цветочную дымку. На этом фоне личное (лик, руки Марии) имеет знакомое, слегка апеллирующее к каноническому решение.
Те же приемы использованы в картине «Благовещенье» (2009) с характерным иконописным наклоном головы Богоматери. Приближая к реальности изображение личного, художник вписывает удивительно плавные и выразительные кисти рук в декоративно выстроенный фон. Такая манера живописи была свойственна художникам эпохи модерна, в частности, Густаву Климту, влияние которого можно заметить в творчестве В. Скобеева. В картине создается ощущение, что легким касанием рук Мария прижимает к груди слегка эфемерный крест, сотканный из цветов, являющихся частью фона. Легкие оттенки голубого создают ощущение умиротворения и обволакивающей неги. Заканчиваясь, крестовина начинает струиться по направлению к локтю и, возносясь от ее левого плеча вверх, перетекает в заостренное «крыло» белых одежд. Располагая женскую фигуру справа налево вниз, по направлению демонстративной диагонали, автор приглашает полюбоваться нездешним звучанием благоговейной красоты, длящейся и мгновенье, и вечность.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Флоральный мотив, заполняющий всю плоскость холста, присущ многим работам художника, особенно там, где Природа является главным «портретируемым». Визуализация стихийных сил и царств природы как многообразие состояний материи, также свойственна космизму. В цикле «Prima Vera» (Вечная Весна) кажется, что легким трезвоном колокольцев звучит само пространство, перекликаясь с щебетаньем птиц. Названия картин и поэтичны, и музыкальны, например, «Весеннее равноденствие» (2011), «Мелодия весны» (2015), «Весна Священная» (2016). Начало циклу было положено созданием картины «Prima Vera» (2010), ее формат, вытянутый по вертикали, как бы завершается белым арочным сводом, напоминающим приемы иконописи. Тема Вечной Весны, как вечной души Природы, явлена в виде женского образа, он одновременно сливается с пространством и наполняет его. «Застылость» этого образа контрастирует с вечным движением кружащихся вокруг него белых птиц и устремляющимися вверх и вниз потоками гирлянд цветущих растений и пучков колосьев. Композиция построена в виде математического знака бесконечности, усиливая впечатление непрерывной торжественной поступи Вечной Весны. Фактурный мазок, плотные линии, направленные вдоль траектории движения, усиливают вокруг нее ощущение радостного присутствия беспрестанно обновляющейся жизни.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
В работе «Благовест» (2014) тема весны, а здесь еще и ее «закликания», продолжается, переплетаясь с Богородичным мотивом из «Сада Марии». Профильное изображение девочки с косами пшеничного цвета и синими лентами в них, удивляет недетской сосредоточенностью и взглядом широко распахнутых голубых глаз, направленным «в себя», внутрь. Белая металлическая клетка с дверцей, распахнутой на уровне сердца, выполнена в технике импасто. Рельефные, густые мазки, выступая над поверхностью холста, усиливают трехмерный эффект, подчеркивая принадлежность к земному, плотному миру, который сдерживает полет и свободу белых птах вечной весны. Своеобразным фоном картины является иное измерение с огромным ликом Богоматери, взирающей с отрешенной любовью на происходящее. Складки ее голубого мафория образуют множество колоколов, наполняющих пространство благовестом, звучащим в унисон с песнью квартета ангелов, изображенных слева.Совершенно иное решение и звучание в другой картине «Благовест» (2014), находящейся в соседнем выставочном зале. Для художника характерно обращение к одной и той же теме, развитие ее. Мощный звук благовеста, издаваемый огромным колоколом, занимающим все пространство в центре холста, распространяется по всей земле. Это ощущение усиливает фрагмент с изображением летящего над планетой в надмирном пространстве гласящего языка колокола.
Тема, посвященная защитнику и подвижнику земли русской развивается в работах «Преподобный Сергий Радонежский» (2016) и «Живая вода. Преподобный Сергий Радонежский». Картины выдержаны в прозрачной голубой гамме, оба изображения вписаны в обрамления-окна из берез, будто вторя есенинскому «И березы стоят, Как большие свечки». «Для меня, Сергий Радонежский, - говорит В. Скобеев, - духовный Управитель России. Словно колодезная вода, чистейший источник, как будто окунаешься в этот источник и происходит преображение. Сергий - хранитель духовных кодов. Возможно, что день его памяти, совпадающий с моим днем рождения, тоже помогает мне в раскрытии этого Образа». Художник точно выражает принципы космоса через воды жизни, как воды спасения, глубь Матери Природы.
В первой картине фигура Преподобного в рост, заполняющая все пространство холста в левой части, написана плотно, несколько обобщенно. У его ног расположился огромный медведь, символ земной Руси, напоминающий очертаниями мощный валун, который прячется за зонтиками сныти на первом плане. В молитвенном предстоянии Сергий благославляет Святую Русь. Эта идея выражена соломенным сиянием деревянных церквей с множеством куполов главок, будто горящих свечей, отражающихся в чистых водах. Противопоставление сине-голубого и желтого создает ощущение вневременности происходящего.
Вторая картина кажется абсолютно прозрачной. Фигура Сергия слегка перекликается с нестеровским образом Преподобного в одеждах схимника. Рядом так же примостился у ног мишка, а фоном вокруг стала «страна березового ситца», только уже не «в лунных перьях серебра», а написанная более реалистично. «Береза - это тоже метафора, - объясняет художник, - чистая поэзия России. Не могу сказать, как пришел этот образ, решение картины, просто встал перед глазами, а я его только написал. О значении этого святого в моей жизни знал давно, есть чувствования души, это знание было всегда. Проталины, весна - это как бы надежда на возрождение России, ее духовных ценностей».
Необычное решение находит художник в полиптихе «Яблочный спас» (2014), состоящем их пяти работ. Произведение связано общим замыслом и единством цветового и композиционного строя. В центре лик Спаса Нерукотворного или Спаса на убрусе (плате, полотенце). В данном случае убрусом является не лен, а мешковина, бахрома которой по всем четырем сторонам как бы продолжает власы и бороду Христа. Изображение лика приближено к каноническому, однако фон, в который вмонтирована ткань, не привычный белый или золотой, а синий. Вокруг по периметру «разбросаны» зеленые прозрачные яблочные сферы, напоминающие радужные миры, чередующиеся с полосами фрагментов древнерусской вышивки, в орнаменте которой главное место занимает солярная символика. Идея космичности образа Спаса-Солнца продолжается в расположенных посолонь вокруг центрального лика картинах, подобно клеймам икон. В них также вмонтированы фрагменты мешковины, а рамы украшены вкраплениями орнаментального узорочья. Существует извод иконы «Спас Нерукотворный с деяниями», здесь деяния посвящены мирной жизни Святой Руси, ее городов, таким образом, автор постоянно возвращается к теме священной весны с райскими садами в яблочках и белыми голубками.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Орнаментальная компоновка присуща картине «Вера, Надежда, Любовь» (2016) с царственным профилем вечной пряхи в народном костюме, крутящей веретено времени. Бесстрастно она держит в руках все нити судьбы или то, из чего создается пряжа, ткань жизни, сотканная силой воли, силой мысли, силой действия. Условно картина делится на три части. Идея троичности подчеркивается тремя горящими свечами, тремя куполами-свечками, Троичными храмами. Это та идея, которая всегда питала землю, в избяном прошлом тоже, потому у основания веретена художник поместил деревянный колодец с живой водой, как символ неиссякаемого источника мудрости матери Веры, Надежды и Любви. В другой одноименной работе троичность демонстрируется более наглядно и в духе конструктивизма. Художник использует три основных. цвета, изображая в центре композиции синие, красные, желтые сферы, вписанные в окружности-шестеренки с цветочными членениями, в виде сердечек и в форме тернового венца.
Духовная тематика продолжается в полотне «Николай Чудотворец» (2016), построенном на противопоставлении чистых небесных и житейских буро-коричневых вод, на сопоставлении храмов, сияющих в светлом граде за спиной святителя и утлого корабля (корабль является древней формой храма) с взывающими о милости мореплавателями. Непрестанные труды Николая Чудотворца, спешащего на помощь погрязшему в страстях человечеству, художник изображает порывом волны, врывающейся в мир скорби.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Необычны по замыслу и воплощению огненные архангелы Уриил – огонь Божий, Рафаил – целитель, Михаил – архистратиг небесного воинства и нежный тихий Гавриил с лилией благовещенья в руках.
Картины, экспонируемые в следующем зале демонстрируют разносторонние интересы художника. Сказочные мотивы картин «Обыкновенное чудо» (2014) и «Ожидание чуда» (2016) навеяны новогодним волшебством, смешанным с состраданием и добротой, как и «Королева Алиса» (2016) из зазеркалья. Рядом полотна на мифологические сюжеты. «Сначала я шел от мифологических сюжетов, - поясняет художник, - мифология вывела меня на то, что она своими корнями уходит в послания, идущие от космоса». Эта космичность читается в трехчастной «Легенде об Орфее» (2013) удивительно гармоничной и уравновешенной. Художник использует все тот же иконописный прием, когда вокруг статичного «средника», центра, вписанного в золотистый медальон с изображением главного героя с тонкострунной лирой, вращается лента «жития», рассказывающая об Эвридике. Все действо изображается в виде многомерных взаимопроникающих пространств на синем фоне звездной вечности.
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Египетской символикой наполнена работа «Гермес Трисмегист» (2016), созданная под впечатлением от прочтения книги «Изумрудная скрижаль Гермеса». S-образная композиция намекает о вечном присутствии мудрости, то ведомой, то неведомой человечеству. «Если ты встал на путь духовного самосовершенствования, - говорит художник, - то обязательно сталкиваешься с изучением определенных космических законов, чтобы жить в гармонии с миром и не нарушать их. Считается, что основные космические законы дал Великий Учитель Мудрости Гермес Трисмегист. Их называли "Изумрудные скрижали Гермеса"». Дополняют картину три портрета мыслителей, также принесших человечеству знания, это «Платон» (2016), «Моисей» (2016), «Пифагор» (2016). Художник поясняет такой выбор: «Все Великие Учителя говорили об одном и том же, но своими словами. Каждый пытался донести до людей свои знания, выводы, философию. Я рассматриваю их в своих произведениях как Учителей человечества, пытавшихся изменить сознание людей, направить их на путь духовного развития, а не материального, сделать их лучше, мудрее, научить жить по Законам Высшего разума. Иногда они были религиозными деятелями, иногда учеными, философами или обычными простыми людьми. Я написал лишь некоторых из них».
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Две картины с индийской тематикой «Шри Ганеша» (2012) и «Будда» (2016) написаны в формате, приближенном к квадрату, в чем-то напоминающими клейма русских икон. Квадрат дает ощущение устойчивости и покоя. Ярко кранный фон как символ сердца, мира высоких энергий сочетается с желтым – знаком власти, знания, изобилия добродетелей. Массивная фигура слоноликого и многорукого Ганеши, предводителя небесного воинства, написана пастозно, фактурно. Многомерная спиралеобразная композиция картины с изображением Будды одновременно создает впечатление и статичности, и динамичности, которую добавляет звучание колокольчиков, наполняющее пространство вокруг него.
Многие картины художника сложны для восприятия, так как требуют помимо философских размышлений, особых знаний. Среди них можно отметить «Создание человека» (2011), «Создание души» (2012), «Одинокий полет» (2011), «Земля – планета мыслящая» (2012). К примеру, работа «Древо жизни» (2016) наполнена многоярусной символикой, детально выписанной на чистейшем бирюзовом фоне. Ее значение художник разъясняет сам: «Я попытался изобразить эволюционный рост пятой расы. У каждого народа есть свой миф о Древе Жизни. Показательно, что этот Архетип проходит через мифологию всех народов, что подтверждает единство мира. Вверху картины расположен Сверхразум, Сверхзнание, Сверхлюбовь, Сверхэнергия и т.д. И оттуда исходит живая вода знаний, голубой субстанцией омывая культуры всех народов. Это тоже подтверждает единство мира, поскольку источник един. Корни этого аллегорического Древа уходят в глубину времен, а ветви уходят в тонкие миры, в космос. Золотые листья - это знание».
ГАЛЕРЕЯ ОТКРЫВАЕТСЯ НАЖАТИЕМ КУРСОРА
Завершает экспозицию серия картин 2016 года, посвященная Живой Этике и ее создателям, с названиями-цитатами «Чаша накопления», «У порога нового Мира», «Агни-Йога». Композиционные приемы в них повторяются. К образу Е.И. Рерих автор прикоснулся впервые в работах «Урусвати» (2015) и «Урусвати – Свет Утренней Звезды» (2015). Урусвати – это духовное имя Елены Ивановны. Автор не скрывает, что долго не мог приступить к написанию этих картин: «лишь только, когда в осенью 2015 года в Казань привезли выставку Н.К. Рериха из собрания Русского музея Санкт-Петербурга, пошел такой импульс, что сразу прояснилось композиционное решение картин, и я стал писать работы одну за другой».
Завершает экспозицию серия картин 2016 года, посвященная Живой Этике и ее создателям, с названиями-цитатами «Чаша накопления», «У порога нового Мира», «Агни-Йога». Композиционные приемы в них повторяются. К образу Е.И. Рерих автор прикоснулся впервые в работах «Урусвати» (2015) и «Урусвати – Свет Утренней Звезды» (2015). Урусвати – это духовное имя Елены Ивановны. Автор не скрывает, что долго не мог приступить к написанию этих картин: «лишь только, когда в осенью 2015 года в Казань привезли выставку Н.К. Рериха из собрания Русского музея Санкт-Петербурга, пошел такой импульс, что сразу прояснилось композиционное решение картин, и я стал писать работы одну за другой».
В работе "У порога Нового мира" на первом плане в центре художник изображает музей Н.К. Рериха и около входа в него скульптурные портреты Елены Ивановны и Николая Константиновича Рерих. Именно эта скульптура, по мнению автора, раскрывает, что здесь в основание заложен краеугольный "камень". «Сам "Порог" - это порог этого музея, - говорит он, - это и символ, и метафора, и магнит. И я начинаю свой рассказ в картине именно от этого образа-архетипа. Когда я впервые подошел к зданию музея, то почувствовал, что эти ступени, порог и есть "Порог Нового мира" в материальном мире». Картина заполнена многочисленными символами.
Рассуждая о следующем произведении «Агни-Йога», автор продолжает пояснять ее смысл: «Другие работы раскрывают Учение Живой Этики через образы, эти образы уже архетипичны, трактуя их по-своему, можно остаться непонятым. Смыл был раскрыть как и через кого была дана Живая Этика: от Учителя, через Урусвати нам, людям. Все образы Е.И. Рерих, а, так же образ из триптиха "Fiat Rex" (которые Н.К. Рерих открыл нам через живописные изображения), существуют как самостоятельные, завершенные, где-то пребывающие в околоземном пространстве, поэтому придумывать что-то свое, несовершенное, я посчитал бессмысленным. Хотя, возможно, в будущем, мне придет что-то другое и будут другие решения».
Обширный круг тем, мотивов, образов в изобразительном искусстве Виталия Скобеева говорит о его стремлении низводить на землю идеалы Красоты, бесконечной в своих аспектах и вечно зовущей к новым открытиям и высотам Духа, ибо Красота есть категория Духа, форма его существования, которую художник тонко чувствует. Своим мироощущением или высоким мышлением он щедро делится со зрителем. Не случайно, что выставка «Звездный путь» художника-космиста состоялась в музее Н.К. Рериха, много лет возглавляемого Л.В. Шапошниковой, 90-летие которой отмечалось в 2016 году. Людмила Васильевна много сделала для популяризации этого направления искусства, организовывала конференции и выставки художников, отображающих на холстах «пространства-времени» иную реальность, иные координаты, «мнимости», не доступные обычному зрению, и существование которых давно доказано наукой. Не об этом ли сказано в книге «Грани Агни Йоги» (1953 г. Ч. I, параграф 25): «В деле познавания высших энергий искусству отводится особая роль. Искусство будем считать высшей формой познавания Истины, и познавания непосредственного. И ту Красоту, которой учит искусство, внесем в науку, ибо прекрасен мир, ею изучаемый».